Im Jahr 2026 dürfen sich Film- und Krimifans auf ein doppeltes Jubiläum freuen: 70 und 60 Jahre seit dem Kinostart von Alfred Hitchcocks Der Mann, der zu viel wusste (1956) und Der zerrissene Vorhang (1966). Die Tatsache, dass diese wegweisenden Thriller das beliebteste und kreativste Jahrzehnt des Master of Suspense’s einrahmen, lässt sich mit einer zentralen künstlerischen Figur in Verbindung bringen, die in seinem Umfeld tätig war: dem Komponisten Bernard Herrmann. Wie lernten sich die beiden Genies kennen, wie arbeiteten sie zusammen und schöpften gemeinsam – und welcher Fauxpas beendete schließlich alles?
Filmkomponist durch Zufall
Herrmann wurde 1911 in die jüdische Oberschicht von New York hineingeboren und von seiner Familie schon früh dazu ermutigt, sich der Musik zu widmen. Als Teenager begann er, sich in der Komposition zu versuchen und Preise zu gewinnen, was ihm schließlich einen Platz an der renommierten Juilliard School einbrachte, wo er umgehend sein eigenes Ensemble gründete. Trotz seines Talents als Musiker und Komponist ist es der wahre Traum des jungen Bernard, Dirigent zu werden. Kaum zwanzig Jahre alt, schafft Herrmann den Einstieg (oder besser gesagt: den Sprung auf das Podium) dank der revolutionärsten Technologie seiner Zeit: dem Radio. Als Angestellter des Columbia Broadcasting System dirigiert er regelmäßig das CBS Symphony Orchestra und wird nach und nach zu einem bekannten Namen in den Rundfunkwellen.
Im Jahr 1938 erweist sich eine zufällige Begegnung mit Orson Welles in den Fluren der CBS-Studios als entscheidend. Der visionäre Schauspieler und Regisseur betraut den jungen Maestro mit der Filmmusik zu seinem allerersten Spielfilm, Citizen Kane – eine neue Erfahrung für Herrmann, der zuvor noch nie für das Kino komponiert hatte. Der Rest ist Geschichte: Citizen Kane gewinnt einen Oscar und wird bei den Academy Awards 1942 für neun weitere nominiert – darunter Beste Originalmusik –, was Bernard Herrmann den Startschuss für eine Karriere als Komponist in Hollywood gibt. Eine Welt entfernt von den klassischen Bühnen, auf denen er sich einst mit Taktstock in der Hand und im Frack vorstellte, zu glänzen…
Was Alfred Hitchcock betrifft, so erlebt er in den 1930er und 1940er Jahren seinen Aufstieg in der Welt des Kinos und verfeinert geduldig seinen einzigartigen Ansatz beim Filmemachen, bei dem nichts – keine einzige Kameraeinstellung, keine einzige Zeile des Drehbuchs und keine einzige Musiknote – dem Zufall überlassen wird. Doch obwohl die Soundtracks einiger seiner Filme von der Kritik hochgelobt werden, ist der ehrgeizige Regisseur noch immer auf der Suche nach seinem musikalischen Alter Ego.
Ärger mit Harry, Trigger bei Hitchcock
Im Jahr 1955 beschließt der aufstrebende «Master of Suspense», sich an Bernard Herrmann zu wenden, um seinem neuesten Projekt, einer Krimikomödie mit schwarzem» Humor namens The Trouble with Harry, Pep zu verleihen. Als «unerwarteter Sidestep von Hitchcock» vermarktet, verlangt die Handlung nach einer frischen, kühnen Filmmusik, die dazu passt. Herrmann enttäuscht nicht. Laut dem Filmmusikspezialisten Steve Vertlieb «war Hitchcock von Herrmanns Filmmusik für Harry begeistert und betrachtete sie als seine Lieblingskomposition aus ihrer häufigen Zusammenarbeit». Er kommt zu dem Schluss, dass
« Bernard Herrmann auf der Leinwand zu der musikalischen Stimme wurde, nach der der Regisseur jahrelang gesucht hatte… Selten gab es im Film eine so reine künstlerische Nabelschnur. »
Ein Jahrzehnt gemeinsamer Gestaltung
Der Mann, der zu viel wusste, Vertigo, Der Unschuldige… Von Film zu Film nimmt Herrmanns künstlerische Identität als Alfred Hitchcocks «offizieller» Komponist Gestalt an. Und obwohl er mittlerweile fest in Hollywood verwurzelt ist, bleibt sein Stil durch und durch klassisch: Herrmanns Inspirationsquellen reichen tatsächlich von der deutschen Romantik über den französischen Impressionismus bis hin zum Great American Songbook. Wie Steven C. Smith in seiner Biografie A Heart at Fire’s Centre aus dem Jahr 1991 zusammenfasst: «Vielleicht war Herrmanns größte Leistung sein bemerkenswerter Einsatz von Orchestrierung, um Themen und Charakterpsychologie zu unterstreichen.» Tatsächlich vergaß der ehemalige Maestro nie seine erste Liebe und griff für seine Soundtracks systematisch auf das Orchester zurück. Jedes Projekt bot ihm zudem die Gelegenheit, seine «Doktrin» darüber zu verfeinern, was gute Filmmusik ausmacht. Für Herrmann besteht ihre Rolle weniger darin, die Handlung zu begleiten oder die auf der Leinwand dargestellten Emotionen künstlich zu verstärken, als vielmehr darin, ein aktiver Teil des Erzählprozesses zu werden – sei es, um eine Figur zu porträtieren, eine Landschaft zu gestalten oder eine Atmosphäre zu zaubern. Man denke an die berüchtigte Duschszene in Psycho (1960), in der hohe Streichertöne sowohl die Entschlossenheit des Mörders als auch die Angst seines Opfers vermitteln und gleichzeitig beim Zuschauer ein beklemmendes Gefühl der Klaustrophobie hervorrufen.
1966: Eine zerbrochene Freundschaft
Psycho markiert zwar zweifellos einen Höhepunkt in der Karriere sowohl von Herrmann als auch von Hitchcock, läutet aber zugleich ein Jahrzehnt ein, in dem sich das Blatt leider wendet. So wie sich die gesellschaftlichen Werte im Zuge der radikalen Sechzigerjahre wandeln, so ändern sich auch die musikalischen Vorlieben. Die Filmmusik passt sich allmählich den Standards der aufstrebenden – und doch bereits überschwänglichen – Popindustrie an: «eingängige» Melodien und kurze, einprägsame Stücke, die sich auf LPs übertragen lassen. Henry Mancinis Soundtrack zu Frühstück bei Tiffany und Rodgers & Hammersteins The Sound of Music sind Paradebeispiele für diesen neuen, kommerziell erfolgreichen Stil der Filmmusik.
Es versteht sich von selbst, dass dies Bernard Herrmann nicht zusagt, der keinerlei Absicht zeigt, seine Identität als klassischer Komponist oder den Ansatz aufzugeben, den er im Laufe seiner 25-jährigen Karriere im Kino gekonnt entwickelt hat. In einem Artikel aus dem Jahr 2025 für das Fachmedium Bachtrack reflektiert der amerikanische Musiker Jacob Slattery über die Zurückhaltung seines Landsmannes:
« Herrmann wollte nicht, dass das Publikum das Kino pfeifend mit einer hübschen Melodie verlässt; er wollte, dass das Publikum das Kino verlässt, nachdem es ein vorgegebenes Gefühl erlebt hat. »
Alfred Hitchcock hingegen hat nichts gegen eine Anpassung einzuwenden und bittet «seinen» Komponisten um eine Filmmusik für sein bevorstehendes Projekt Torn Curtain, das den neuen Konventionen der Hollywood-Filmmusik entspricht. Herrmann widersetzt sich ihm und wird sofort entlassen – Punkt. Der britische Regisseur und der amerikanische Komponist haben ihre Zusammenarbeit und ihre Freundschaft nie wieder aufgenommen.
War es ein Verlust für Hitchcock? Zweifellos, meint Steve Vertlieb, der argumentiert, dass Herrmann ein Mann von unersetzlicher Scharfsinnigkeit und Integrität war: «Bernard Herrmann war der Überzeugung, dass Filmmusik dieselbe Bedeutung habe wie Musik, die für den Konzertsaal geschrieben wurde… Er setzte sein Talent großzügig für Filme, Fernsehen, Radio, Oper und die Konzertbühne ein.» Wenn er «den Begriff Filmkomponist verabscheute», dann nur, weil für ihn die Welten des Kinos und der klassischen Musik, die Leinwand und die Bühne, ein und dasselbe waren. Diese Sichtweise lässt sich vielleicht am besten anhand dieser ikonischen Szene aus Herrmanns zweiter Zusammenarbeit mit Alfred Hitchcock veranschaulichen, dem Blockbuster von 1956 Der Mann, der zu viel wusste. In einer bis auf den letzten Platz gefüllten Royal Albert Hall spielen das London Symphony Orchestra und sein Chor eine Partitur von solch epischem Ausmaß, dass der Zuschauer fast vergisst, dass er einen Thriller sieht – und dass sich irgendwo auf der oberen Empore ein Mörder darauf vorbereitet, eine geladene Waffe auf die Bühne zu richten…
